Особенности методики обучения акварельной живописи студентов творческих направлений

№ 2 от 2017 года

Важнейшими понятиями на начальном этапе процесса обучения студентов академической живописи являются понятия «теплый» и «холодный» цвета. Поскольку мы будем анализировать изображения, написанные в «теплых» или «холодных» оттенках, необходимо разобраться с самими терминами. В литературе по колористике принято часть цветов, которые начинаются с зеленого и до красного, относить к теплым цветам, а часть от голубого к пурпурному – к холодным. Зеленый оттенок может быть как холодным, так и нейтральным. В наблюдаемой нами природе «теплота» или «холодность» цвета определяются воздушной средой, которая делает на свету цвета холодными, а в тени, наоборот, теплыми. Например, лесные массивы, освещаемые солнечным светом утром, днем и вечером, выглядят совершенно по-разному: холодные розоватые тона на свету утром сменяются выгоревшими жёлтыми днем и превращаются в горячие оранжевые света и холодные фиолетовые тени на закате.

Теорию, раскрывающую явление теплохолодности, рассматривает Арнхейм. Основная идея его теории заключается в том, что любой цвет может быть как теплым, так и холодным. Желто-голубоватый или красно-голубоватый цвета выглядят холодными, а красно-желтый или красно-голубой цвета могут казаться теплыми. Таким образом, добавление холодного оттенка к основному цвету, который является теплым, делает его холодным и наоборот.

В спектре существуют основные чистые цвета, которые необходимы для образования всех остальных. Температура вторичных цветов зависит от преобладания в них красного или синего. Поэтому невозможно точное отнесение цвета к теплым или холодным в живописи, поскольку они всегда берутся в отношениях. Для процесса обучения студентов академической живописи более важно понимание определений «теплее», «холоднее». Качества, определяемые как «теплый» или «холодный», в живописи неотделимы от моделировки формы, с отображением пространства и с цветовой перспективой. Теневые и освещенные части предметов строятся всегда на контрасте теплого и холодного. Если свет теплый, то тень холодная и наоборот.

Тональные отношения и цвет в картине подчинены закономерностям, которые отражают закономерности реальной действительности в очень сложной, определяемой различными факторами форме. Колорит живописной работы определяется не только пропорцио­нальными натуре цветовыми и тональ­ными отношениями, но и различными особенностями видения и цветовосприятия каждого художника, психологией и структурой творческого процесса, стилистическими особеннос­тями как творческой манеры каждого художника в отдельности, так и эпохи в целом.

Живописное изображение в процессе выполнения учебных заданий, передача на изобразитель­ной плоскости пространства, фактуры, материальности, объема достигается с помощью передачи пропорциональных натурным цвета и тона. Передавая на изобразитель­ной плоскости пропорциональных натурным цветовых и тональных отношений в живописи, необходимо овладеть методом одновременного сравнения цветовых и тональных отношений в натуре на основе целостностного видения. Обучающийся должен научиться сравнивать и понимать различия цветовых и тональных отношений в натуре. Умение цельно видеть однов­ременно все элементы натурных поста­новок является необходимым услови­ем выполнения учебного задания, но это возможно при наличии определенного опыта рабо­ты в акварели. Видение в целом предполагает не сосредоточение на каком-то предмете в постановке, а, наоборот, попытку видеть все элементы постановки одно­временно, то есть «распустить глаз», как говорят художники.

Для учебного натюрморта или портрета характерны свои собственные цветовые и тональные особенности. Всякий элемент постановки имеет свой цвет и тон, а, находясь рядом, они влияют друг на друга, видоизменяясь от такого соседства. Диапазон изменения цвета и тона элементов натуры постановок намного глубже, чем соотношения в силе цвета и тона красок на палитре. Для точной передачи цветовых и тональных отношений в натюрморте или портрете надо найти на палитре пропорциональные натуре цветовые и тональные отношения, определить цвет самого темного предмета и само­го светлого, самого насыщенного и несколько промежуточных цветовых и тональных градаций.

Эти явления могут лучше восприниматься благодаря развитой зрительной памяти и целенаправленному анализу признаков, присущих конкретным характеристикам натуры. Таким образом, принципы работы тоновыми отношениями основываются на передаче светлот соответственно натуре, то есть самое светлое пятно натуры должно быть самым светлым на рисунке. Наиболее темное в натуре, соответственно, должно быть самым темным в изображении. Порядок всех средних тонов в изображении должен повторить порядок световых участков натуры. В разное время суток изменяется цвет предметов, поскольку меняется сила общего освещения. В вечерние часы цвет зелени, например, выглядит менее насыщенным, нежели в яркий солнечный день. Если портрет одного и того же человека написать у открытого окна или в затемненном помещении, то в первом случае общее тонально-цветовое решение портрета будет значительно светлее, цвета ярче, чем в портрете, который был написан далеко от источника освещения.

Все эти знания студент должен применять на практике. На что надо обратить внимание студентов при выполнении учебных заданий в технике акварели? Акварель «не любит» контур, так как он проступает под краской и делает работу грязной; но без него сложно, поскольку он позволяет выполнять рисунок без ошибок. Как стадия работы контур необходим тогда, когда надо воссоздать сложную форму, требующую точного и детального рисунка. Поэтому контур в акварельной технике очень важен и заслуживает внимания в качестве начальной стадии работы. Он наносится легко и должен исчезать к концу работы. Темный рисунок под акварель придает работе черты стилизации. В натюрмортах, составленных из простых по форме предметов, а также в кратковременном этюде портрета, можно обойтись без контура; тут полезно сразу работать красками. Такие упражнения сложнее, но они развивают способность строить предмет по форме и по цвету, а при постепенном переходе от простых к более сложным задачам – сокращать стадии до необходимого минимума.

Рисунок под акварель является подготовительным этапом для начала работы. Он наносится легкими линиями, которые являются только подсказкой и определением композиционных особенностей. Важно использовать необходимую мягкость карандаша, который не должен оставлять продавленного следа, в том случае, если он очень твердый, а также не должен размазываться под рукой во время работы, если берется слишком мягкий карандаш. Во время живописи легкие линии рисунка исчезают под слоями краски. Нужно хорошо чувствовать рисунок и композицию. Следует нанести тонкие линии, для того чтобы определиться, как и где поставить цветовые и тональные переходы. Затем в акварельной живописи уже нужно писать формы кистью и цветом, а не «подсвечивать» и «расписывать» контуры, выполненные карандашом.

Существует множество способов работы акварелью. Процитируем примеры некоторых способов работы акварелью известными художниками. Например, способ Врубеля. Как правило, это акварели небольшого формата. На основе воспоминаний, исследований, писем М. А. Врубеля и, конечно, самих акварелей, представим последовательность работы.

1. Твердым карандашом на хорошо проклеенной бумаге средней или мелкой зернистости в зависимости от размеров работы выполнить подробный, строгий рисунок с изображением внешних и внутренних контуров объектов, а также бликов, полутонов, теней как собственных, так и падающих, границ цветовых участков и формы драпировок.

2. Изображаемые объекты прокрыть общим локальным цветовым тоном в половину цветовой силы, светлоты. Оставить непокрытыми блики и другие светлые места. Подчеркнуть разницу в цвете между предметами или их частями.

3. По высохшему предварительному слою нанести отдельные цветовые плоскости изображаемого объекта в полную силу, создавая некую цветовую мозаику, переходя от более крупных заливок к более мелким.

4. На данном этапе возможны некоторые размывки кистью, смягчающие резкие края некоторых заливок. Размывки могут обобщить отдельные участки работы, а также исправить цветовые неточности в случае ошибки. После высыхания данного участка на него можно нанести нужный цветовой тон. Иногда используются в качестве приема мелкие штрихи, чтобы привести к нужной тональности цветовые участки. Так заполняются небольшие промежутки между отдельными заливками. При этом, до начала работы цветом, на лист бумаги можно нанести слабый цветовой тон акварели, соответствующий общему тону изображаемой постановки, что придает работе особый цветовой настрой и обобщает ее.

Еще один способ акварельной живописи носит имя художника Артура Владимировича Фонвизина, работавшего в удивительной, неповторимой манере. Сохранились воспоминания современников художника, его моделей, наблюдавших за работой мастера. Можно внимательно посмотреть на его работы в Третьяковской галерее и на различных выставках. А. В. Фонвизин писал на ватманских листах и не делал подготовительного рисунка карандашом, начиная рисовать тоненьким кончиком кисти, намечая только незначительные контуры изображаемого, о чем свидетельствуют незаконченные работы. Впрочем, эта незаконченность, скорее, производит впечатление особой лаконичности, присущей его работам. Затем, набрав крупной кистью большое количество воды с краской, он мягко втирал ее в поверхность бумаги, добавляя другие цвета для получения необходимого сложного тона. С большим мастерством художник управлял широкими цветовыми потеками с помощью кисти, чередуя темные и светлые участки, оставляя порой почти нетронутой бумагу. Кое-где художник вносил цветовые акценты на высохшей поверхности предыдущего слоя, порой совсем незначительные, почти точки, чтобы подчеркнуть форму или цветовое пятно. В портретах чаще всего акцентируются глаза и губы. Его работы сохраняют удивительную свежесть, прозрачность и светоносность.

Существует способ акварельного письма «по-сырому» с помощью влажной ткани. На планшет ровно укладывается мокрая тонкая хлопчатобумажная ткань. На ткань помещается смоченный с двух сторон лист бумаги и разглаживается, чтобы не было воздуха под бумагой. Поверхность листа при таком способе остается влажной и ровной в течение длительного времени. Таким способом можно делать большие акварельные пейзажи и натюрморты с сохранением «свежести» письма по-сырому.

Как выполняется работа акварелью по сухой поверхности бумаги? Бумага не смачивается перед началом работы, а живопись ведется отдельными участками или, как говорят художники, «от куска». Участки изображения дописываются один к другому. Бумага для работы может иметь и ярко выраженную структуру и не очень заметную. В начале работы по сухой поверхности бумаги на лист бумаги надо нанести детальный рисунок. Акварельную краску взять кистью большого размера в полную цветовую силу, даже чуть сочнее и ярче, с учетом высветления краски при высыхании. После нанесения основного цвета на определенный «кусок» поверхности бумаги добавляем дополнительные цветовые оттенки. К законченному участку приписать следующий и так далее, до полного заполнения формата. Не совсем просохшие края отдельных цветовых участков в некоторых местах могут слегка перетекать друг в друга, образуя цветовые переливы, не требующие исправления и придающие работе своеобразную цветовую выразительность. После того как прописана практически вся поверхность листа нанести дополнительные цветовые акценты, а также незначительные смягчающие размывки, которые не должны испортить свежесть работы. Кроме того, нужно заполнить цветом мелкие участки бумаги, остающиеся, как правило, между отдельными «кусками» в процессе работы. Некоторые художники сознательно оставляют участки чистой бумаги, используя это как своеобразный живописный прием. Планшет с листом бумаги в процессе работы можно наклонять под разными углами в разные стороны, направляя в нужном направлении текущий красочный слой.

Акварельно-графический способ сочетает в себе различные приемы. Они очень хорошо просматриваются в акварелях П. Синьяка начала 30-х годов ХХ века, в которых он использовал основные цвета – желтый, красный, синий и зеленый, добавляя немного черный. Также, сочетая акварель с графикой, работала А.П. Остроумова-Лебедева, акварели которой носили более строгий цветовой характер. Последовательность работы акварельно-графическим способом может быть следующей:

1. на лист бумаги разной фактуры нанести свободный интенсивный рисунок мягким карандашом. Формы предметов можно моделировать штрихами. Там, где необходимо, штрихами может быть заполнен и фон. Ластик использовать не обязательно, предварительные легкие линии придают работе некоторую живость;
2. используя характерную для акварели текучесть, нанести в полную силу цвета на законченный рисунок красящий слой, где цвета плавно переходят друг в друга;
3. возможно усиление теней с помощью введения в изображение дополнительных цветовых пятен, которые можно наносить на просохший основной слой. К сказанному следует добавить, что для рисунка могут быть использованы угольный карандаш и акварельный, который, слегка размываясь наносимым слоем каски, придает работе некоторую мягкость. Можно также применять цветовые карандаши, подчеркивающие фактуру.

Для хорошего композиционного размещения изображения натюрморта или портрета на формате необходимо перед началом выполнения задания осмотреть натуру со всех сторон и выбрать такую точку зрения, с которой открываются наилучшие возможности изображения. Желательно сделать несколько предварительных эскизов в цвете для уточнения характера и индивидуальных особенностей модели или натюрморта. Такая работа позволит быстрее найти наиболее выразительную композицию будущего этюда, определить основу для отображения единства формы и цвета.

Список литературы

1. Волков Н.Н. Цвет в живописи. – М., 1984. – С. 107.
2. Кузин В.С. Психология. – М.: АГАР, 1997. – 304 с., ил.
3. Ростовцев Н.Н. Академический рисунок. – М., 1973.
4. Соловьева Б.А. Искусство рисунка. – Л.: Искусство, 1989. – 256 с.