Натюрморт в творчестве В.М. Соколинского

№ 2 от 2016 года

Владимир Михайлович Соколинский – выдающийся курский художник, наш современник, который широко известен не только в России, но и далеко за ее пределами.

Живописец убежден, что на художника и его становление большое влияние оказывают детские годы, они определяют всю дальнейшую жизнь художника. Первыми уроками искусства для Соколинского стали его детские наблюдения и впечатления, огромная необъятная природа родного края, ощущение ночной тишины, звездное небо над головой… Все это помогло пробудить творческие задатки достаточно рано: будущий художник рисовал и на уроках в школе, и дома в свободное время. Еще в детстве он решил стать художником и делал все для исполнения своей мечты.

Несмотря на то, что любимый жанр В.М. Соколинского – пейзаж, мне бы хотелось особое внимание уделить натюрморту. Глядя на натюрморты Соколинского, зритель попадает в мир вещей. Все эти вещи: старые стеклянные бутыли, покосившиеся самовары, керосиновые лампы и многое другое – не так просты. Они любовно собирались художником в его собственную авторскую домашнюю коллекцию, и у каждой вещи есть своя история.

Каждый художник в натюрморте раскрывает не только красоту вещей, но и мир человека, его мысли и чувства. Так и у Соколинского – мы видим не просто отдельные предметы, собранные художником в единую композицию и представленные как нечто самоценное, – каждая вещь имеет свой голос, свою историю [1]. Мы смотрим на них глазами художника, чувствуем его любовь к старине, неясную печаль от уходящего, ностальгию. Натюрморт Соколинского – это само настроение, которое передается зрителю посредством звучного цвета, формы, ярких акцентов, контрастами и нюансами цвета, так, что хочется ощупать фактуру и предметные качества представленного.

Живописная манера Соколинского неоднородна: мы можем увидеть и широкие мазки кистью, и движения мастихина. Разнообразен он и в живописной технике – масло, акрил. И, конечно, цвет. Многие работы живописца отмечены невероятной энергией и сочностью цвета. Проанализируем, как ему это удается.

В работе «Кабачки» (2000, холст, масло, 45,5х60) художник использует в качестве натуры самые обычные овощи – кабачки, но при этом работа выглядит достаточно изящной за счет композиции и колорита. Композиция здесь как бы «выставочная». Кабачки говорят, прежде всего, о самих себе, словно предлагая зрителю полюбоваться своей красотой, цветом, фактурой. Форма кабачков разнообразна и позволяет создать в картине интересную пластику, ритм и даже движение.

Возвращаясь к проблеме цвета, следует отметить, что художник использует контрастные сочные цвета. На серо-голубом фоне мы видим яркие и подчеркнуто теплые овощи. Сильные глубокие тени синего цвета усиливают впечатление от увиденного и создают особый композиционный ритм. Эта работа – один из примеров того, как из простых предметов можно создать достаточно убедительное отражение простой жизни и быта.

В натюрморте В. Соколинского «Розы» (2005, холст, масло, 45х65) мы видим букет роз на фоне окна. Здесь нет деталей: условно изображено окно, и так же условно – основание вазы, мы видим лишь темное пятно, обозначающее точку опоры. Несмотря на все эти условности, букет воспринимается весьма реалистично. Букет – это колористически яркий и сочный взрыв на фоне холодной стены и мрачного окна [2].

От Соколинского как от заядлого рыбака не ускользнула и тема рыбацкого натюрморта. Традиция изображения рыбы в натюрморте восходит к моменту появления этого жанра. В русском искусстве эта тема раскрывается и в творчестве одного из любимейших художников Соколинского Константина Коровина («Вкусные рыбы», 1916; «Рыбы, вино и фрукты», 1916; «Натюрморт с рыбами», 1930 и др.). Соколинский по-своему решает эту тему. Работая над «Натюрмортом с вяленой чехонью» (2010, фанера, масло, 60х80), он старается сгруппировать и разложить рыбу на столе, создавая при этом интересную по композиции картину. Художник с любовью передает саму фактуру, форму рыбы, ее блестящую чешую, бликующую на солнце. Форму он лепит активными уверенными мазками. Важно, что Соколинский не старается скопировать чью-либо художническую манеру или композицию. Он пишет таким образом, чтобы все живописные средства, которыми он пользуется, соответствовали его замыслу и выражали его собственные мысли по поводу натуры.

В плане композиции художник доказывает свое умение организовывать пространство холста, создавая впечатление картины в картине: мы видим перед собой синюю плоскость, по виду схожую с натянутым холстом, на котором располагаются все элементы вторичной композиции. Центром является яркая луковичка, к которой устремляются протяжные рыбы различной формы, темные пятна овощей – картошки и свеклы, а также хлеб, порезанный на куски, ритмично разложенный здесь же на плоскости и не дающий возможности композиции завалиться в левый угол. Точку в композиции ставит красная луковица в левом углу картины, именно на этот угол опирается картина [2].

Еще одна интересная работа – это «Керосиновая лампа» (1995, холст, масло, 69х69). В этой картине художник приоткрывает завесу тайны своей мастерской, показывая нам небольшой ее уголок.

Мы видим перед собой холст, на который небрежно наброшена тряпка, перед ним стоит керосиновая лампа, лежит палитра, тюбики с краской, кисть художника. На дальнем плане мы видим «обратку» холстов, их рамы и подписи создают нужный художнику ритм, организующий пространство.

Сам пейзаж, изображенный на холсте, создает впечатление открытого окна, потому как живопись свежа, и только, пожалуй, ритм её рамы и бордовая тряпка не дают нам обмануться в своем первом впечатлении.

Художник проводит и здесь цветовые параллели. Во-первых, ткань на раме перекликается по цвету со стенами храма и тюбиком краски на переднем плане натюрморта. А белый снег на переднем плане пейзажа такой же, как белила на палитре художника.

Что художник хотел сказать этой работой? Соколинский незримо присутствует на картине, и кажется, что он только что вышел и может вернуться в любой момент и продолжить работу над своим пейзажем. На переднем плане – старая керосинка, которая теперь не освещает дом – она стоит в мастерской, и художник иногда использует ее в качестве натуры. Все рано или поздно станет историей, а то, что не сохранится в реальной жизни, останется в памяти и на полотнах художников, как эта керосиновая лампа.

Тоска по уходящему миру передается зрителю за счет колорита – он сдержан, насыщен глубокими оттенками, гармоничными цветовыми сочетаниями. Этот натюрморт почти одноцветный: если бы не оттенки бордового, красного и зеленого на палитре, мы бы говорили о гризайли. Натюрморт за счет этого выглядит как старое фото, как напоминание о прошлом.

Соколинский – очень плодовитый художник: многие очевидцы утверждают, что хоть он и живописец, но работает со скоростью, присущей графикам. Возможно, это отчасти и влияет на восприятие его работ, свежих и активных. Побывав в мастерской художника, начинаешь ощущать всю атмосферу, в которой он творит, чем дышит, как происходит процесс его работы. Прежде чем начать писать маслом, Владимир Михайлович прощупывает всю натуру карандашом, пастелью – графическими материалами, только для того, чтобы выявить и понять композиционный ритм, который проявится в живописных произведениях.

Подводя итог, следует сказать, что свой творческий потенциал Владимир Соколинский реализовал в полной мере, благодаря тому, что не только прошел хорошую живописную школу, но и научился тонко чувствовать предметы, их конструкцию и содержание. Натюрморт стал для него одной из главных тем в творчестве – он научился практически оживлять предметы в своих натюрмортах. Художник позволяет каждой вещи рассказать свою собственную историю.

“Кабачки”

“Розы”

“Керосиновая лампа”

“Натюрморт с вяленой чехонью”

Список литературы

1. Виппера Б.Р. «Проблема и развитие натюрморта. – СПб.: Азбука-классика, 2005. – С. 8-23.
2. Пронина Т.Д. Анализ и интерпретация произведения искусства. Живопись: Учеб. пособие. – Курск: Региональный финансово-экономический инс-т., 2015. – 130 с.