От станковой живописи до монументальной. Творчество С.И. Спицина

№ 1 от 2015 года

За спиной курского художника Сергея Ивановича Спицина множество творческих исканий и успехов. Его тяга к изобразительному искусству началась ещё с малых лет. Но талант – это ещё не всё, без упорного труда он не даст плодов.

У Сергея Ивановича значительный художественный опыт: постоянное рисование в детстве, обучение в Железногорском училище, затем художественно-графический факультет Курского государственного университета, где он сам вскоре стал преподавателем, стажировка при кафедре живописи института им. И.Е. Репина. С 3 курса училища Сергей Иванович участвует в выставках: областных, зональных, Всероссийских и международных. Официальным признанием для себя считает 1998 год, когда вошёл в Союз художников.

Он пробовал различные живописные стили в пору студенчества, однажды выполнял абстрактные полотна как эксперимент, но остался верен себе и реализму. Зачем идти в абстракцию? Почему бы не развиваться в том, что действительно близко, а не слепо поддаваться тенденциям искусства. «Я попробовал разное, и за разные вещи мне не стыдно».

За долгую и активную творческую деятельность было выполнено множество пейзажей, портретов, натюрмортов. Затем наступил переломный момент. «Произошла смена в весовых категориях, – говорит Сергей Иванович, – и сменились приоритеты в живописи». Последовало серьёзное увлечение монументальной живописью, переросшее в основную профессиональную деятельность, промежутком вот уже в 15 лет. В ней отразился большой художественно-творческий рост, который продолжается и по сей день. Этот рост оказался естественной потребностью в оттачивании профессионального мастерства.

Монументальная живопись развивает не только его мастерство и творческий потенциал, но и интеллектуальную сферу. Ведь для того, чтобы выполнить ту или иную церковную фреску нужно изучить исторические аспекты, вписать свою задумку в устоявшийся свод правил – канон, соблюсти технологичность при подготовке основы и сам способ нанесения красок. В процессе деятельности нужно подводить работы к общему знаменателю интерьера, для достижения наибольшей гармонии между живописью и архитектурой [1, с. 395]. При создании церковного полотна или фрески ведётся большая работа. Основываясь на задачах сюжета, художник собирает подготовительный материал – зарисовки фигур, этюды, эскизы, продумывает идею. Где-то Сергей Иванович использует натуру, чтобы подглядеть и передать всё наиболее правдоподобно и живо, где-то работы старых мастеров. Он драпирует тканью натурщика и находит нужную позу. Используется внешность, подходящая к теме, – прототип к определённому образу. В итоге разрабатывается готовое композиционное решение, которое кропотливо исполняется на поверхности. Высота икон и росписей порой достигает четырёх метров, но, к счастью, потолки в мастерской ещё больше.

Важным моментом создания икон и фресок является духовная сторона. Ведь по окончании это уже не твоя работа – на них будут молиться люди. Это не просто роспись, фреска и твоя картина, а уже икона – одухотворённый образ, символ божественного присутствия.

В разных городах велось множество художественных работ в сфере монументальной живописи: это и частные заказы на роспись стен, и фрески в храмах. Были выполнены различные заказы в Москве. Не так давно расписан новый храм в Киеве. В Курске также созданы росписи, к примеру, в храме великомученика Георгия Победоносца. Большой заказ выполнен в новом храме в Коренной Пустыни. У Сергея Ивановича нет деления «для себя и на заказ, всё нужно делать «как отцу родному».

Не скука – двигатель его творчества, а красота, окружающая повсюду, и стремление совершенствоваться, ведь творческая работа – это хоть и тяжёлый труд, но, тем не менее, достаточно приятный. А работа с росписями и фресками – это возможность для художника прикоснуться к вечности – к опыту и технике создания произведений таких великих мастеров, как Рафаэль, Веласкес и многих других.

Нельзя сказать, что Сергей Иванович резко меняет живопись станковую на монументальную. Ранее он тоже создаёт различные тематические работы. Главным образом изменяется масштаб этой деятельности, и художественный опыт больших полотен выносит его на новый уровень технических возможностей. Можно говорить о смене ведущих ролей. У Сергея Ивановича огромное количество работ как в области станковой, так и монументальной живописи.

Ещё на художественно-графическом факультете его диплом был о молодых реставраторах. Он писал картины на различные сюжеты и порой наблюдал, как «реставрируют», по сути, малюют на иконах непрофессиональные реставраторы, и как на контрасте в корне отличалась реставрационная деятельность выпускников Суриковского и других училищ, с их серьёзной школой. В итоге этих впечатлений и самостоятельного художественного опыта он сам заинтересовался этим видом изобразительного искусства.

Стоит отметить технические особенности живописной манеры Сергея Ивановича. «Нужно всё уметь»: одну работу пишешь так, другую – иначе, где-то выгодна пастозность, где-то отвечает своим задачам лессировка. В монументальной живописи нужно соблюдать определённую технологичность нанесения красок на стены, чтобы, к примеру, влажность и испарения не испортили фрески. Здесь пастозность уже не применима, краска наносится в несколько приёмов, чтобы сохранялась долговечность росписи, радуя глаз прихожан и обывателей. Можно сказать, что манера художника отвечает определённым художественным задачам. Этюды, пейзажи, портреты отличаются большей свободой и широтой мазков, например работы «Трепетная тишина» (2000 г.), «Питерский этюд» (1993, г.).

“Трепетная тишина”

“Питерский этюд”

Но, тем не менее, можно проследить общую тенденцию к лессировочной технике в живописи с её тонкослойностью и прозрачностью: «Храм строится» (2005 г.), «Наташенька» (2000 г.).

“Храм строится”

“Наташенька”

Художник оставил для себя гораздо меньшее число работ, чем создал в течение предыдущей творческой деятельности. Некоторые жалеют работы, но нет смысла делать их только для себя и копить в мастерской. «Они как дети разбежались по сторонам» и радуют людей: «придёшь, а там твоя работа».

В арсенале художника – различные художественные материалы: масло, акрил, гуашь и многие другие. В монументальной живописи в некоторых работах применяются различные технологии с позолотой. Также он занимается копированием работ великих мастеров, что является своеобразной школой в изучении иконописного языка, с помощью которого появляется осознанный подход в понимании иконы, способствующий проникновению в более глубокие структуры, связывающие образ и его изобразительную форму на уровне канона [2, с. 141].

Параллельно ведётся работа в станковой живописи в различных жанрах, будь это пейзаж или портрет. Множество пейзажей было написано на пленэрах в таких городах, как Ростов, Рыльск, Сергиев Посад, Вышний Волочёк, Железногорск. Некоторые этюды, например с академической дачи, можно и дальше разрабатывать, в итоге создавая новые серьёзные композиции.

Для Сергея Ивановича всё интересно, наряду с живописью важное место занимает графика. Она используется как подготовительный вариант. Художник отмечает: прежде чем писать, что угодно, начиная от живописных этюдов до больших тематических полотен, человек должен владеть внятным рисунком. Ведь рисунок – это основа изобразительного мастерства.

Полноценный рисовальщик, по словам Сергея Ивановича, – это тот, кто овладел созданием изображения с натуры, по памяти, по представлению и воображению. Но художнику нужно уметь перефразировать, чтобы не стать заложником натуры, нужно уметь отмести лишнее и показать самую суть. «Художник должен на сто процентов попасть в образ».

Сергею Ивановичу интересен сам процесс работы, а не только конечный результат. Но нет смысла надеяться на вдохновение в своих начинаниях, ведь так можно прождать целую вечность нужного момента и не сделать ни мазка. Он считает, что не нужно бояться своего замысла, идеи. В живописи нет места страху, иначе он будет подчинять, и созданные вещи будут посредственны. Стоит только начать работать над своей задумкой и невозможно остановиться. «Аппетит приходит во время еды», и в живописи так же. Она затягивает, и стоит выждать момент, как на полотне разворачивается новая жизнь.

«Искусство без тебя проживёт, главное, чтобы ты без него не мог» – ценный совет Сергея Ивановича всем новичкам и студентам как преподавателя. «Лучше заболеть комплексом неполноценности, чем манией величия», ведь художник должен быть требователен к себе, а возвеличивание наверняка не даст никакого творческого развития и лишь поставит крест на этом художнике. Ведь если художник считает, что достигнутый уровень – это предел его возможностей, то пиши пропало. А самый лучший доктор и оценщик – время. Быть сытым в художественно-творческой деятельности плохо – это значит остановиться, довольствоваться малым.

Список литературы

1. Киплик Д.И. Техника живописи. – М.: Искусство, 1950.
2. Лазарев В.Н. Искусство Древней Руси. – Мозаики фрески. – М.: ЭКСМО, 2008.
3. Пронина Т.Д. Творчество Веры Прониной // Известия регионального финансово-экономического института. Электронный научный журнал. Выпуск 2. 2013. URL: http://science.rfei.ru/ru/2013/2/31.html